아는만큼 보인다 !

25년 동안 하퍼즈 바자의 아트 디렉터로 있었다. 잡지는 매호 새로워야 한다는 신념 아래 실험과 도전 정신으로 끊임없이 새로움을 추구했다. 많은 사진가들의 숨겨진 재능을 발견 육성 했는데 아트 디렉터로서 그가 사진계에 끼친 공적이라면 창조적 실험을 추구해서 사진의 영상 표현에 새로운 시각 언어의 기능을 인식시킨 일과 많은 우수한 사진가들을 육성한 일 등을 들 수 있다. 그가 발굴한 대표적인 사진가로 어빙펜, 리차드 아벤던이 있다. 그가 촬영한 대표적인 사진집으로 "발레"가 있다. 발레를 출판 할때까지 전문 사진가로 활동한적은 없다. 플래시 없이 무대 조명에만 의존하여 저속셔터로 장노출을 이용 움직임을 담아낸 사진은 당시에는 획기적인 일이었다. 알렉세이 브로도 비치가 말하는 사진가를 위한 금언 6가지 1.사진이란 아이디어나 시플랜을 발전 시키면서 사색하는데서 시작한다. 다음으로 촬영된 밀착 인화를 선택 분석하고 또한 확대해서 크로핑 하는일이 계속된다. 2.때로는 카메라를 갖지않고 관찰하기도 하고 때로는 두꺼운 종이에 창을 뚫어 무엇을 어떻게 스냅 할 것인가를 연구한다. 3.의지, 인내, 자기 훈련에 바탕을 둔 확신을 발전시켜 가도록 한다. 트릭이나 속임수 따위는 간 사한 것이다. 모든것이 정확하게 이루어져야 한다. 4.텔레비젼 영상을 촬영하는 것은 결정적 순간을 잡기 위한 좋은 훈련이 된다. 5.신은 교회나 절에만 있는것은 아니다. 원자력 속, 자연 속, 어디에나 있다. 그것은 자극을 주고 동기를 주는 신비한 힘이다. 6.창조 한다고 하는 단 하나의 방법은 모든것을 실험 하는데 있다고 믿는다. 우리는 잘못을 저 지름으로써 다시한번 하겠다는 용기를 지니지 않으면 안된다. 그때 비로소 흡수하게 되고 알 게되는 것이다.

이째1924년 스위스의 부유한 유대인 가문에서 태어났다. 2차 대전 기간 중립국인 스위스에 살았던 관계로 나치의 유대인 학살을 피할수 있었다고 한다. 이때를 계기로 인간의 비극에 대한 자각을 하게된다. 1947년 뉴욕으로 이주한 로버트 프랭크는 패션 사진가로 활동한다. 이때 뉴욕 현대 미술관 사진부장이었던 에드워드 스타이켄의 눈에 띄게 되면서 미국에서 왕성한 활동을 하게된다. 1955년 외국인으로서는 최초로 구겐하임재단으로 부터 장려금을 받아 미국 각지로 포토 다큐멘타리 여행을 떠난다. 이때 찍은 사진을 정리해서 1958년 파리에서 그리고 그 이듬해에는 미국에서 "미국인"이라는 작품집을 출판한다. 로버트 프랭크는 신화적인 미국에 대한 기록에서 부터 그밖의 정치적 행렬, 이발소, 카우보이, 커피숍, 고속도로 및 남부지방에 관하여 예리하게 기록한다. 그 사진의 제목들은 매우 낭만적인 분위기를 불러 일으켰으나 그것은 미국 문명을 냉정하게 비판적인 시각에서 조명한 사진들이었다. 산타페에서 그는 연료 펌프의 집단과 불모의 땅 그리고 버려진 덤불길을 , 그리고 뉴욕의 어느 쓰레기 통 옆에서 빈둥거리는 카우보이 모습을 통하여 전통적인 미국의 단면을 제시한다. 로버트 프랭크의 미국인은 현대사진의 출발점이 된다. 1960년대를 통하여 가장 영향력 있는 사진집으로 위치를 확고하게 차지한다. 그리고 1970년대에 이르러서는 로버트 프랭크의 거칠고 반발적인 시각이 미국 사회의 대명사가 되었다. 로버트 프랭크는 여행자를 위한 팜플렛에 나오는 진부한 회화적인 표현 양식에 도전하고 전통적인 다큐멘타리 양식에 얽메이지 않고 과격한 영상언어로 표현한다. 로버트 프랭크는 "지금 이라면 누가 뭐라해도 촬영 할 수 있다. 그렇지만 당시에는 라이프지 스타일의 사진이 전성기였기 때문에 그밖의 방법으로 촬영 하려면 대단한 용기가 필요했다." 했다. 지금은 로버트 프랭크의 사진 형식이 기성 사진의 하나의 양식으로 제도화 되어 버렸지만 그 독자적인 시점은 사진의 영역을 확장 시켰다. 로버트 프랭크의 사진은 모두가 다큐멘타리 사진에 속한다. 구체적으로 분류하면 다큐멘타리 사진중에서도 에세이 성격을 띤 픽쳐 스토리에 해당된다고 볼 수 있다. 그런데 로버크 프랭크의 사진은 다큐메ㅔㄴ타리 사진의 기본적인 생리를 거슬려 사적인 각도에서 목격자로서가 아니라 한낱 방관자로서 대상을 접근 한다. 한마디로 로버트 프랭크의 다큐멘타리 사진은 그전까지 이어져오던 객관적인 다큐멘타리에서 주관적인 다큐멘타리로의 전환을 이야기 한다.

독일사람으로 한국의 고요한 풍경을 좋아하고 심지어 부인도 한국인 이다. 베를린에 살면서 한국에 자주 방문하는 사진가다. 웨슬리의 사진은 장 노출이라고 말할 수도 없을 정도 빛을 계속해서 노출 시켜서 몇 개월, 몇 년의 단위로 사진 촬영을 하는 사진가로 유명하다. 꽃 사진에 있어서는 꽃이 만개했을 때부터 시들어가기까지의 과정을 담고(보통 9일동안 꽃병 앞에 카메라를 세워두고 그동안의 변화를 한 장의 사진에 담아낸다), 공사 중인 뉴욕 현대 미술관 재 개관 공사현장에 카메라를 설치하고 3년의 공사 과정을 한 장의 사진에 담아낸 건물 풍경 사진도 있다. 일상적인 삶의 바퀴 속으로 이따금씩 빨려 들어오는 예기치 못한 사건들과 함께 어김없이 출퇴근하는 태양의 발자취나 길거리 모습 등, 빛이 기록해낸 대상은 시간의 경과에 의해 흐린 이미지로 녹아 들어 언뜻 무엇을 의미하는지 모를 정도로 단순화 되어 있기도 하다. 하나의 감각이 상실되거나 무뎌지면 다른 감각이 비상하게 발달하듯, 뚜렷한 경계선을 놓쳐버린 그의 이미지들을 통해 웨슬리는 시각적 경험이 충족시켜줄 수 없는 제 삼의 체험을 제공하고 그 속에서 우리는 뿌연 표면이 품고 있는 영롱한 이면을 들여다보게 된다. 독일의 한 평론가는 웨슬리가 이미지의 부재를 통해 그 부재의 존재를 역설적으로 그려내고 있다고 했다. 눈에 보이지 않는 것, 하지만 반드시 존재하는 것, 혹은 스쳐 지나간 것을 어떻게 표현할 수 있을까? 웨슬리가 끊임없이 도전하며 보여주고자 하는 것이 이것이다. 웨슬리는 우리의 감각과 경험의 한계선에서 느껴질 듯 말 듯한 그 무언가에 대한 강한 호기심과 집착으로 사물과 사람과 풍경을 카메라의 포토 리얼리즘에서 해방시켜 놓는다. 대량 살포되는 수많은 정보와 이미지들 속에서 점점 더 본연의 싱싱한 색을 잃어 버리고 기호화 되는 삶 속의 무수한 단면들에 상상의 물을 듬뿍 끼얹어주고 있다. 선물용 혹은 장식용으로 한정되어버린 꽃이 지니고 있는 도식화된 의미와 기능에 인생의 희로애락을 입혀 긴장된 탄생과 위풍당당한 만개, 그리고 숙연한 마지막을 노래했던 지난 꽃 시리즈에서처럼 웨슬리는 보이는 것 이면에 존재할 수 있는 많은 것들을 끄집어낸다.